Dall'Alba a Notte fonda: il "tempo dipinto" nell'Ottocento

Curata da Francesca Sinigaglia, “Un capolavoro di giornata. Dall’alba al tramonto nell’Ottocento” è una mostra che nasce dall’idea di raccontare con più di cento dipinti del XIX secolo italiano e straniero, non una scuola, né uno stile o una nazione, ma la scansione del giorno, ossia il “tempo dipinto”.

Per la pittura dell’Ottocento il tempo è fondamentale perché per la prima volta gli artisti escono dalle accademie e rappresentano il Vero”
Francesco Sinigaglia

Nelle sale di Palazzo Pallavicini a Bologna, si susseguono, una accanto all’altra, opere molto scelte ed emblematiche per le poetiche e le ricerche artistiche che a fine Ottocento anticiperanno la nascita della pittura moderna. Capolavori del tardo Romanticismo, dell’en-plein air, del Verismo e del Naturalismo, della pittura “a macchia” e del Simbolismo compongono il racconto delle ventiquattro ore della giornata, suddivisa in dodici sezioni di due ore l’una.
Dalle sei del mattino, con l’Alba (06.00-08.00), segue il Risveglio (08.0-10.00), la Mattinata (10.00-12.00), il Pranzo (12.00-14.00), la Siesta (14.00-16.00), il Pomeriggio (16.00-18.00), il Tramonto (18.00-20.00), la Cena (20.00-22.00), la Serata (22.00-24.00), la Notte (24.00-02.00), la Vita notturna (02.00-04.00) e per chiudere, il Sogno (04.00-06.00).

Le ore della giornata scandiscono il ritmo intero di una vita, dal suo nascere festoso dell'Alba, sublime e idilliaca, fino alla resa di fronte al buio della Notte e all’incertezza dei contorni che anticipano il Sogno 

Le ore, inoltre, cadenzano l'alternanza di gesti che rispondono a diversi stimoli di luce e anche colori e atmosfere imposte dal lavoro, o favorite dall'ozio. 
Per la prima volta nella storia della rappresentazione pittorica, le ore della giornata ottocentesca sono spesso animate dalla figura della donna: un femminile visto nelle sue diverse e multiple attività quotidiane che variano da ceto sociale.

Un femminile analizzato fin dentro i meandri della mente, nei sentimenti più inconsci e dunque, non solo un femminile dotato di bellezza esteriore 

L'Ottocento è anche il secolo della moda, un vero linguaggio sociale e simbolico che non è solo un dettaglio, ma diventa un codice. Nella nuova realtà borghese, l’abito è espressione della propria immagine, racconta la posizione nella società, scandisce il ritmo e i rituali della giornata, il ruolo della donna e dell'uomo, ma anche dei bambini.

In questo secolo nascono le riviste di moda: moralisti, letterati e autori di galatei, con tono serio o ironico, spiegano come abbigliarsi fosse un modo per "stare al mondo" 

La mostra ideata da Sinigaglia non è la classica esposizione di opere d’arte scelte per dipanare una storia dell’artista, dello stile e del contesto, ma piuttosto una sorta di viaggio, anche sensoriale e musicale, attraverso suoni e immagini dipinte che restituiscono la grande rivoluzione e trasformazione imposta da questo secolo caratterizzato della moderna tecnologia.

L’Ottocento, infatti, ha plasmato profondamente il paesaggio delle campagne, ha modificato gli spazi urbani, architettonici e domestici, ha cambiato le abitudini dell’uomo, ha impresso un valore diverso del tempo, delle ore appunto

La sfida è riuscita. In modo esaustivo, opere di artisti più o meno noti al grande pubblico sono esposte e declinate nei vari momenti del giorno, in un dialogo tra loro intenso. Di due ore in due ore, solo a fine percorso i collegamenti diretti e le suggestioni traslate, si congiungono facendo emergere un “racconto finito” e composto dell’intera giornata
“Un capolavoro di giornata” mette assieme una grande varietà di pittori le cui opere sono raccolte in un catalogo con approfondite schede critiche e alcuni saggi di studiosi dedicati ad aspetti culturali storici ed artistici importanti: l’emancipazione della donna, la definizione di un nuovo concetto di spazio, la moda come vestito sociale. 
Tra i molti artisti, due grandi nomi stranieri appartengono ai padri dell’Impressionismo francese: Claude Monet (1840-1926), è presente nella sezione della Notte con un frammento delle sue “Ninfee” (Ninfee, 1898), salvato dalla distruzione che l’artista stesso fece in tarda età di molte sue tele. Auguste Renoir (1841-1919), maestro di figura, è qui introdotto nel Pomeriggio con il piccolo olio, un paesaggio marino della Bretagna, dal forte cromatismo materico e dal pennello veloce (La baia di Douarnenez, 1885-’90).


Laurits Andersen Ring, Compiti a casa, 1883, olio su tela, 48x43cm., Collezione Privata

Meno noti, alcuni artisti stranieri: a partire dall’esponente del tardo Romanticismo, il tedesco Georg Friedrich Kersting (1785-1847), intimo amico di Caspar Friedrich (1774-1840), allo svizzero Nicolas Louis Andre Prevost, che celebra la pratica della pittura en-plein air, tra impeto romantico e osservazione analitica di stampo scientifico, al danese Erik Henningsen (1855-1930), protagonista del Realismo sociale tardo ottocentesco, fino all’ucraina Marie Rashkirtser (1858-1884), attenta pittrice del Vero. Tra raffinati equilibri di Realismo e Simbolismo, e tra Divisionismo e ricerche sulla luce, un interno dell’olandese Laurits Andersen Ring (1854-1933), una scena sognante dell’inglese Charles Sims (1873-1928) e una grande tela di paesaggio del francese Jean Lefeuvre (1882-1974).

Moltissimi gli artisti italiani, o naturalizzati tali, rappresentanti di Scuole e correnti dell’intera penisola: alcuni sono noti al grande pubblico, altri sono materia per addetti ai lavori e altri ancora sono stati studiati solo recentemente 

La storiografia artistica italiana dell’Ottocento, infatti, dalle prime rivalutazione di stili importanti iniziate solo negli anni Settanta del Novecento (Neoclassicismo, Romanticismo storico, Macchiaioli e Divisionismo), deve attendere l’ultimo decennio del secolo per rafforzare ed ampliare una storia dell'arte ottocentesca più coerente e attenta alle variegate proposte espressive. Ciò è avvenuto anche grazie a nuovi spazi espositivi dedicati, piani di studio accademici, cataloghi scientifici, progetti di ricerca su correnti artistiche minori e soprattutto, sul nuovo mercato collezionistico, un momento quest’ultimo che ha restituito la ricchezza di un patrimonio dimenticato per molto tempo nei depositi dei musei e nelle case di privati. 

Dei cento e oltre protagonisti di questa impresa, vanno menzionate alcune opere emblematiche della ricchezza espressiva dell’Ottocento italiano

La mostra inizia con l’Alba. Dell’artista emiliano Luigi Bertelli (1833-1916), “Alba in pineta” (1906), un lavoro della maturità di un pittore autodidatta che, fin dagli anni Sessanta dell'Ottocento, rompe la tradizione accademica per andare nei campi a dipingere en-plein air. Bertelli accoglie gli insegnamenti del più anziano Antonio Fontanesi (1818-1882), qui presente con il “Mattino” (1861), un’opera singolare perché apre al Naturalismo italiano grazie alla conoscenza diretta dell’artista dei “Barbizonniers”, durante il soggiorno parigino del 1855 (Antonio Fontanesi: l’Alba del Naturalismo italiano). 

La solitudine della figura, la vastità dello spazio e l’orizzonte lontano, nel "Mattino" di Fontanesi anticipano la pittura di “paesaggio-stato d’animo” che avrà grande fortuna tra Otto e Novecento

Nella sezione del Risveglio, come in quelle della Mattinata, del Pranzo e del Pomeriggio, Sinigaglia ha messo in evidenza le attività umane svolte in città e in campagna dalle diverse classi sociali. 
Il Risveglio, mostra “Colazione all’aperto” (1870-1873) di Michele Tedesco (1834-1917), artista lucano poco noto, tra i fondatori della rivoluzione macchiaiola. Ambientata in un terrazzo tra viti e alberi di fichi, con questa pittura del quotidiano Tedesco approfondisce differenti realtà sociali, quella borghese e quella degli umili, imprimendo nelle due figure umori e sentimenti: la domestica è al centro della scena assieme all’elegante padrona di casa, un’uguaglianza emblematica nel clima di post Unità d'Italia.


Michele Tedesco, Colazione all’aperto, 1870-1873, olio su tela, cm 50x34cm., Collezione Privata

Al Caffè Majani di Bologna, una coppia di amanti in “Ritorno dal veglione” (1885) viene catturata dal pennello di Giuseppe Tivoli (1854-1925); lui dà le spalle allo spettatore e lo sguardo allampanato di lei esprime la stanchezza per la notte brava. Fuori dalla vetrata, un garzone li osserva mentre distribuisce il pane del mattino. 
Un Risveglio più intimo e popolare in “La mia famiglia” (1898) del bolognese Alessandro Scorzoni (1858-1933), rappresentazione di un’umile soffitta all’ultimo piano, da cui si scorgono i tetti della città, dove la madre prepara i bambini per la scuola, o il lavoro. 
La ricerca pittorica antiaccademica e realista di Giuseppe Abbati (1836-1868), legato al cenacolo dei "pittori di macchia", Lega, Signorini e Borrani è presente nel Risveglio in campagna, con il suo “Lattaio di Piagentina” (1864). Una luce dorata si irradia sulla scena di piccolo formato e coinvolge la minuta figura umana definendo volumi e spazi di un paesaggio caratterizzato dal taglio diagonale della strada sterrata e dalla successione quasi geometrica dei muri e dei tetti, resi con accordi cromatici e lievi stesure di colore.

Prima della dura realtà delle fabbriche di fine secolo, le donne lavoravano da sempre con la forza delle braccia in attività domestiche quotidiane

Le lavandaie diventano soggetto nell’opera del parmense Adelchi Venturini (1843-1902) capace di una moderna sperimentazione cromatica ed effetti di luce (Canale Naviglio nell'interno di Parma, 1862) e di Vincenzo Irolli (1860-1949) che mette in primo piano la fatica dei bassifondi perché tutto sia lindo (Lavandaia). E sono ancora le donne, in “Acquaiole a Livorno” (1881-1888), dipinte dal toscano Adolfo Belimbau (1845-1938) a trasportare stentatamente vasi di terracotta verso le case padronali. 
Nella Mattinata, anche “Veduta di Londra” (1874) di Giovanni Boldini (1842-1931) mostra i fumi delle fabbriche, un aspetto terrificante della grigia città la cui composizione ne evoca i rumori. 
“Donne del Gabbro” (1867-‘75), del maggior esponente macchiaiolo, Giovanni Fattori (1825-1908), inquadra due contadine livornesi cariche dei loro prodotti della terra, viste sullo sfondo delle centrali elettriche che iniziano a cambiare il volto della città moderna. Con una pittura materica e pennellate salde e sicure, l’artista restituisce le volumetrie delle figure nella loro concreta fisicità.
In campagna, spicca la festa della natura che si irradia in ogni cosa nel dipinto di Francesco Paolo Michetti (1851-1929), “La raccolta delle zucche” (1873), espressione di una pulsione panica, di un tempo infinito e idilliaco. L’interesse intellettuale dell’artista per l’estetica arcaicizzante dimostra la capacità quasi rivelatrice di Michetti che si pone in anticipo di almeno dieci anni rispetto alle ricerche simboliste, in parallelo con la pittura di Domenico Morelli (Domenico Morelli: Le tentazioni di Sant'Antonio) e con la diffusione del fortunismo.

I pittori di questa generazione trasformano gesti umili e quotidiani in immagini di straordinaria poesia, dove il lavoro, la luce e la vita sembrano fondersi in un unico respiro”
Francesca Sinigaglia

In lontananza, Pellizza da Volpedo (1868-1907) compone una “Processione” (1894-‘95) che avanza nella strada sterrata del suo paese natio, facendosi largo nell’oscurità dei larici. Nella luce forte del mattino, la zona d’ombra restituisce la fiamma di una candela accesa, mentre la croce si erge alta al centro nell’azzurro del cielo; è questa una delle opere che inaugura il periodo Simbolista dell’artista che restituisce il momento sacro anche attraverso l’incedere lento e silenzioso delle donne biancovestite. 

Augusto Majani, Ritorno dalla messa, 1895, olio su tavola, 130x68,5cm., Collezione Privata

Negli stessi anni, Augusto Majani (1867-1959), dipinge “Ritorno dalla messa” (1895), un'umanità contadina immersa negli spazi estesi di una natura incontaminata dall’atmosfera immobile. Nella grande tavola verticale, la maestosità dello spettacolo naturale accoglie l’aggregazione spirituale e solenne del piccolo gruppo di donne e uomini che avanzano nella strada ghiaiosa. È questo uno degli apici pittorici dell’artista allineato alle tematiche care ai divisionisti come Giovanni Segantini (Segantini e Ritorno dal bosco). Majani è stato un pittore vivace ed un caricaturista dotato: noto con lo pseudonimo di Nasìca, si fece conoscere nella celebre rivista umoristica “Bologna che ride” dove, come in un diario espressivo, commentava i fatti importanti della giornata.
In città, la musica risuona in un angolo di strada: alcuni “Suonatori ambulanti” (1854) di Gerolamo Induno (1825-1890), cercano di entrare inutilmente in una locanda. La tela affronta un tema assai caro e praticato dai fratelli Induno, quello dei suonatori di strada. L'ambientazione rustica diviene l'ideale palcoscenico per narrare una scena di genere dal Vero e di matrice popolare, puntando anche sul piano sentimentale (Gerolamo Induno: il Vero e lo Stile galante).

Nell’Ottocento, la poetica del Vero incrocia la sua strada con la riproduzione meccanica offerta dalla nascente fotografia

In un interno bolognese, un pittore benestante prepara i ritratti “prendendo appunti” con la nuova macchina fotografica: “L'atelier del pittore con macchina fotografica” (1850 circa) è una tela di Alessandro Guardassoni (1819-1888) che, appena tornato da Parigi dove ha conosciuto il magico strumento cattura la signora Rosa Ceriani Novi in posa - dipinta anche nel ritratto di Eliseo Sala (1813-1879) - una figura straordinaria, amica di Garibaldi e animatrice dell’Unità d’Italia (Ritratto di Rosa Ceriani Novi, 1858).

Nella sezione del Pranzo, benestanti e poveri sono oggetto di due opere emblematiche

La prima, “L'interno del Caffe Vacca a Napoli” (1880) di Antonio Mancini (1852–1930), mostra l'interno di un locale della Belle Époque cittadina, distrutto nel 1943, dove si riunivano i personaggi più illustri della città, una cerchia culturale che quotidianamente qui pranzava e stringeva alleanze intellettuali. 
Spettacolare, anche per grandezza, la tela di Natale Attanasio (1845-1923) “Cucine economiche” (1890-‘91) che racconta in una scena teatrale le difficoltà degli umili nelle ore del pranzo. In un interno cupo e buio, un gruppo di persone quasi a grandezza naturale è in coda per il cibo della giornata; di Attanasio, è esposta un’altra enorme opera di denuncia sociale dedicata a donne recluse nella Sicilia di fine secolo: “Le pazze” (Natale Attanasio: la Verità degli umili).
Nell’ora di Siesta, due opere del bolognese Raffaele Faccioli (1845-1916): nella prima, “Le ore due” o “I colombi di Piazza San Marco” (1875), l’artista mette in scena la società dell’epoca in modo gioioso, nella seconda, realizzata pochi anni dopo, “Post prandium” (1888) si concentra in un brano toccante di “pittura degli affetti” dedicato al padre Francesco, un umile ed ingegnoso artigiano di fuochi d’artificio, creatore di sogni ed immagini che hanno sostenuto ed incoraggiato all’arte il pittore (Raffaele Faccioli: feste e affetti del Vero quotidiano). 


Telemaco Signorini, Lezione di pianoforte, 1868 ca. olio su tela, 18x22cm., courtesy Istituo Matteucci, Viareggio

Nella sezione del Pomeriggio, la tela di Telemaco Signorini (1835-1901), esplora la dimensione silenziosa di interni borghesi ravvivati da una luce filtrata che avvolge solidissime impalcature prospettiche di matrice quattrocentesca toscana, evidente nel taglio delle inquadrature (Lezione di pianoforte, 1868). Del giovane caposcuola del Naturalismo bolognese Bertelli, la straordinaria tela “Ozio in villa” (1866), un pomeriggio di sole nitido, dipinto en-plein air quando l’artista era molto attratto dai Macchiaioli e si dedicava a soggetti della sua quotidianità. 
Sempre in tema di rivoluzione del paesaggio, un piccolo dipinto del romano Nino Costa (1826-1903) “Rapallo” o “Scogliera a Porto d'Anzio” (1862-1866), mostra una  figura femminile solitaria, sugli scogli, che tinge il paesaggio di una malinconia appena percettibile.
Nella sezione del Tramonto, un dipinto che costituisce una delle opere più significative della giovinezza di Michetti (L'intruso, 1878), che dialoga con un piccolo paesaggio temporalesco del trentenne Vittore Grubicy de Dragon (1851-1920), un’opera appartenete alla prima età stilistica Divisionista del maestro (Fiumelatte o L'estate finisce, 1889).


Giovanni Boldini, Il porto di Venezia, 1900-05, olio su tela, 33x44cm., Collezione Privata

Una veduta di Venezia del ferrarese Boldini, suo soggetto d'elezione (Il porto di Venezia, 1900-1905), cattura in un’atmosfera perlacea, sospesa e incantata, il volo dei gabbiani sulla laguna e il fumo che si alza dal vaporetto. 
Nella sezione della Cena, due dipinti concepiti en pendant, del bresciano Angelo Inganni (1807-1880) costituiscono un tassello di prim'ordine nell'ambito della pittura di genere Realista, filone assai caro e frequentato dal maestro lombardo (Donna che condisce i maccheroni davanti al caminetto, 1854; Uomo che cucina lumache e polenta davanti al caminetto, 1854-1855). La tedesca Julia Hoffmann (1843-1936), che nel 1873 sposò l'artista lucano Michele Tedesco, con cui condivise la vita intellettuale e artistica, con “La bettola” (1883) mostra uno spaccato di vita popolare; forse volendo raccontare la realtà del marito, lo fa con estrema aderenza alla realtà rurale dell'epoca, soppiantando le sue tematiche abituali, storiche e simboliste.
La Serata offre un’opera del pittore napoletano Michele Cammarano (1835-1920) dal titolo emblematico: “Piazza San Marco. Scena di vita cittadina” (1869). La tela realizzata durante le frequentazioni di Venezia del pittore, tra il 1867 e il 1869, offre una festa notturna nella grande piazza, animata da gruppi di eleganti personaggi in conversazione. La resa meticolosa di luci e penombre scure, restituisce un brano di Verismo della città lagunare e dei suoi abitanti, che riflette le ricerche di ambito nazionale, parallele a quelle dei Macchiaioli toscani degli stessi anni, risonanti della nuova stagione sociale dell'Unità d'Italia appena inaugurata.

Nelle ultime tre sezioni della Notte, della Vita notturna e del Sogno, spiccano opere di fine secolo, echeggianti atmosfere di silenzio ed intimità: il buio porta con sé il mistero che avvolge la natura e l’uomo di umori e desideri

La melanconia è grande e i pittori lo sentono nella carne: sono artisti che, per la maggior parte, aderiscono alla corrente del Simbolismo con piccoli paesaggi desolati, o animati da figure solitarie (Augusto Majani, Effetti di luna, 1886; Sera d'estate, 1896; Raffaele Faccioli, Sera d'estate, 1896). Tra tutti, spicca l’opera del bolognese Mario de Maria (1852-1924), il "Pictor Lunaticus" come lo definì l'amico Gabriele d'Annunzio e soprattutto, il traghettatore indiscusso, in Italia, verso la poetica del Simbolismo. In buona parte della sua produzione non è evidente il simbolo, perché il pittore gioca con la luce della luna, forte e potente per evocare segreti (Capri di notte, 1882-1885), o anche misteri di piccole figure poste ai bordi tela (Convegno Amoroso, 1906). Intimo amico di d’Annunzio, di cui frequenta il cenacolo romano attraverso la figura di Angelo Conti, de Maria chiude la mostra nella sezione del Sogno con due opere che danno forma visiva ai versi del poeta (Mario de Maria: il Pictor della Luna e del mistero).

FOTO DI COPERTINA
Luigi Bertelli, Ozio in villa, 1866, olio su tela, 98x138cm.,Collezione privata